“La Panadella” es una especie de isla geográfica (debido a su ubicación y condición de paso) y temporal (por su estética y atmósfera nostálgica), donde la vida que transcurre se manifiesta en huellas, ciclos y silencios. Es un lugar donde coexisten diversos tiempos, relatos y recuerdos, un lugar traumatizado por su pasado, atrapado en medio entre existir y ser olvidado.

Este pequeño pueblo en la región de Anoia en Catalunya está lleno de cicatrices que revelan una vida que parece haber quedado suspendida, pero que al mismo tiempo refleja un contexto sociocultural de una España “vacía”, una mitología del olvido causada por el desplazamiento; sueños que inevitablemente chocan con la nostalgia de vislumbrar algo en el fondo que se desgasta inevitablemente.

La intención del artista es habitar metafóricamente la memoria del paisaje, generar un vínculo con sus habitantes y visitantes para encontrarse allí y poder trabajar desde lo sensorial para develar las atmósferas donde coexisten muchas historias y mitos, imaginación y realidad.

Joel Jiménez (Costa Rica, 1993) es un artista multidisciplinario que vive y trabaja en España. Su práctica opera en el cruce del documental y la acción, explorando las intersecciones entre la historia y la psicología ambiental. Jiménez incorpora memorias colectivas, historias, mitos y la resonancia emocional del espacio para alterar las narrativas históricas lineales y examinar las huellas del trauma y el poder que dan forma a nuestra relación entre el pasado y el presente. Su trabajo analiza espacios con historias estratificadas, identidades en evolución y condiciones estancadas, proporcionando una plataforma para reflexionar sobre las complejidades de las relaciones humanas con el entorno.

Los proyectos de Jiménez abarcan diversos medios, incluyendo instalaciones, películas y libros.

Acompañada por una mezcla visceral de elementos naturales y sonidos de guerra, “Kintsugi” nos sumerge en el caos y la belleza de fuerzas opuestas. Una sinfonía disonante que permite una aproximación al campo de batalla en un contexto bucólico. «Kintsugi» nos confronta con la dicotomía «paz» y «guerra», alternando estas palabras en blanco y rojo sobre un fondo negro. Imposibilitando la comunicación, estos términos, dan paso a las palabras de veintiuna frases sobre la guerra y la paz que se superponen en la pantalla a toda velocidad, en un ciclo de repetición. Con cada iteración, la velocidad se ralentiza paulatinamente, permitiendo al espectador digerir las profundas declaraciones sobre la naturaleza de los conflictos y la búsqueda de la paz. Sin embargo, después de esta tregua, la velocidad recupera paulatinamente el ritmo frenético, reflejando la naturaleza cíclica del extremismo y la polarización en la sociedad. Simultáneamente y a intervalos, al fondo, aparece la imagen de una máquina de coser que con hilo de oro cose y une las dos banderas en conflicto, Israel y Palestina, como ejemplo de tantos otros. Después, también a intervalos, aparece una tijera que corta las banderas unidas por el hilo de oro y, después de voltearlas, la máquina las vuelve a coser con hilo de oro. Cortando, volteando y cosiendo las dos mitades una y otra vez se genera un patchwork, bandera, fruto de la unión con la técnica japonesa del kintsugi. La yuxtaposición de la brutalidad de la guerra con el idealismo de la paz invita a contemplar el frágil equilibrio entre destrucción y creación, caos y armonía y reflexionar sobre la posibilidad de curación y reconciliación en medio de las fracturas del extremismo.

Ramon Guimarães (Barcelona, 1968). Estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, donde desarrolló la habilidad de fusionar teoría y práctica, dando forma a su visión del arte como medio de intervención social.

Con un enfoque multidisciplinar, en su práctica artística se encuentra la construcción de identidades fluidas y disidentes. Sus acciones actúan como herramientas para desencadenar diálogos provocativos y desafiar a las percepciones convencionales. A tal efecto invita a la audiencia a participar activamente en la creación de nuevas narrativas, rompiendo con estructuras rígidas y fomentando la diversidad de perspectivas, despertando conciencias, fomentando la reflexión crítica y generando reflexiones significativas sobre temas contemporáneos.

Ha presentado sus trabajos performáticos en el MACBA, Arts Santa Mònica y Homesession en Barcelona; La Laboral en Gijón, Matadero en Madrid; ARBAR, la Muga Caula en Girona; y, Aire en Santiago de Compostela entre otros.

La presidencia de Trump ha mostrado el atractivo del autoritarismo populista para la mitad de los estadounidenses. La forma en que el país responde al ataque al Capitolio de Estados Unidos indica lo largo que es este movimiento. ¡Es una insurrección mental!

La política se ha vuelto binaria, viral, no reflexiva.

La elección de los líderes políticos es fundamental, comprender su vida y su formación es decisivo para el futuro de la democracia.

La confrontación política se basa hoy en identidades básicas, suposiciones simplistas, estética kitsch, procrastinación… La polarización se instaló en la sociedad, y apareció en todas las discusiones (políticas, intelectuales, sociales, artísticas…), desarrollando el odio, la exclusión política y social y poniendo por delante el dinero, como valor primordial.

¡Trump es uno de los símbolos más significativos!

El «Trump Park Donald Trump’s Intimate Photo Album» es un viaje especial en la mentalidad del 45º presidente de EE.UU., así como una realización gráfica de Jean-Matthieu Gosselin y Ullic Morard, para denunciar: la ausencia de debates, la violencia política, el «fascismo consentido», la monopolización de los medios de comunicación, y las mentiras permanentes.

No nos cabe duda de que el 45º Presidente de los Estados Unidos, que a menudo se refiere a Abraham Lincoln, apreciaría este álbum (¡es suyo!), porque como escribió el 16º Presidente de los Estados Unidos: «Ningún hombre tiene suficiente memoria para conseguir mentir».

Jean-Matthieu Gosselin (Libourne, 1960). Licenciado en museología e historia del arte (École du Louvre y Sorbona). Trabajó durante años como periodista, director editorial y, más tarde, como director y consejero delegado de editoriales en Francia, Italia, España y México.

En 2013 sufrió un grave derrame cerebral. Durante los cinco años siguientes, se sometió a una larga rehabilitación en el Centro Médico Madrazo de Barcelona. En 2015 inició cursos de fototerapia; posteriormente, en 2017 y 2018 siguió «El curso de estudios de fotografía profesional» en la Grisart Escola Internacional de Fotografía – Visual Culture Tech Education de Barcelona, del que se graduó.

Sus trabajos fotográficos han sido expuestos en diferentes contextos y países:

Durante el «Off» de Les Rencontres de la Photographie d’Arles 2019 como parte de la exposición La Roquette organizada por «Regards Mémoires»; en la escuela de fotografía Grisart (Barcelona, 2020 y 2022), con «No Surrender» (en su rehabilitación), luego «Memorial Drive»; en el Festival Panoràmic (Granollers-Barcelona), 2020, con «No Surrender», y en versión resumida en el Festival Lumínic (Sant Cugat, 2021).

En la primavera de 2022, presenta «Memorial Drive» (sobre la memoria, los recuerdos artísticos y estéticos) en Barcelona, y después «Before memories fade» (sobre Barcelona su territorio fotográfico) en BdB, siempre en la ciudad catalana; en el otoño de 2022, expone esta última en Belmont-de-la-Loire en la región Auvergne-Rhône-Alpes en Francia; será expuesta en 2023 en el departamento del Rhône en la ciudad de Cours.

En mayo de 2023 expone su obra «Au nom de l’amitié» (sobre su visión de lo espiritual) en el Prieuré de Grandmont situado en Villeloin-Coulangé (Francia); exposición que se presentará en Sainte-Suzanne en el 1er trimestre de 2024. Expuso «Memorial Drive» en Les 54th Rencontres de la Photographie d’Arles 2023.

En julio del 2024 expuso en Las Corts de Barcelona «Getaway Memories»; y en octubre, presentará “Before memories fade” Fouchères-Saint-Valérien (Yonne – Francia).

Ullic Morard (France, 1980) Nacido en Francia en 1980, vivió la mayor parte de su vida en Italia, donde estudió en la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Turín. Después siguió cursos de fotografía, incluidos talleres con la « American agency Seven». Se graduó en el «Curso de Itinerario Narrativo de la Escuela Internacional de Fotografía Grisart» en Barcelona en 2018.
Durante 16 años y los años 2008 ha estado produciendo series de fotografías incluyendo su proyecto «Dark Night» completado en 2015, seguido por la participación en el festival «The Others» en Turín en 2015, luego en el festival de fotografía «Head On» en Sídney en 2016, que concluye los Premios Finalistas del festival.

Participó en una exposición colectiva en el «Festival de Fotografía de Turín» de 2018.

Participa en el «Off» de Les Rencontres de la Photographie d’Arles 2019 como parte de la exposición La Roquette organizada por «Regards Mémoires»; el mismo año, Ullic trabajó en proyectos documentales: un reportaje en Camboya, luego uno en Ceilán, seguido de reportajes en el desierto australiano.

En 2020 participa en una exposición en Francia, en Annecy; y en 2021 expone en el festival de fotografía «Head On» de Sídney.

En 2022 participa en una exposición colectiva en Annecy.

Presenta un nuevo trabajo «Tesseract» durante Les 54th Rencontres de la photographie d’Arles 2023.

A través de su formación académica, Ullic aborda la arquitectura, la geometría, la pureza de las líneas, las texturas, así como las apariciones nocturnas, en particular en el paisaje.

“A Piece of Paper» es un video de 8 minutos que explora un despido laboral. A partir de una grabación real, intercalada con voces generadas por IA, juega con lo formal y lo coreográfico y con la imagen fija y en movimiento para señalar y denunciar las violencias de los lenguajes corporativos.

Aitana López (Madrid, 1994) es una artista española que trabaja entre Róterdam y Madrid. Realizó sus estudios en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de Paris 8, obteniendo posteriormente un MA Fine Arts en el Piet Zwart Institute de Róterdam.

Tomando como referencia sus propias experiencias laborales y personales, su obra se fundamenta en una crítica a los valores patriarcales y neoliberales que nos rodean. Con una lenguaje que se sitúa entre lo audiovisual y lo plástico, su práctica propone también una reflexión activa entre forma y contenido.

Su obra ha sido expuesta y proyectada en diferentes espacios artísticos y festivales de cine independiente como MediaLab Prado, cines Embajadores en Madrid, el Eye Film Museum en Ámsterdam, WORM Central Station en Róterdam o Frihamnstorget en Estocolmo